Nos visita Barry Altschul: lunes 23 de agosto.

Un lujo: el próximo lunes (gracias a la gestión del saxofonista Rodrigo Dominguez, que además oficiara como traductor) nos visita el baterista y percusionista Barry Altschul.
Aquí una breve biografía y algo de su música.

Baterista y percusionista norteamericano. (Nueva York, 6-1-1943). Nacido en el seno de una familia de músicos, accede al mismo tiempo a expresiones musicales cultas y populares. Alrededor de los doce años deja el piano y el clarinete por la batería. Estudia con Charlie Persia, Lee Konitz y mientras tanto toca con músicos de su barrio: Charles Tolliver, Junior Cook, Elmo Hope… Conoce a Paul Bley en 1964, ingresa en la Jazz Compose’s Guild Orchestra y toca, hasta 1967, con Carmell Jones y Leo Wrigth; luego parte a Europa por un año. En 1969 toca en California con Hampton Hawes y Sonny Criss y mas tarde con Tony Scott en Nueva York.
En 1970 forma, con Chick Corea y Dave Holland, un trío que, tras la incorporación de Anthony Braxton, se convierte en el cuarteto Circle. Disuelta esa formación (1972), reparte su tiempo entre los grupos de Braxton y Sam Rivers.
A partir de 1977 forma diversas agrupaciones como lider, la mas estable de ellas, llamada Brama, junto a Mark Elias y Ray Anderson (1978-1981).
Alternado estadias en Europa y Estados Unidos, ha grabado entre otros con: Paul Bley, Jazz Compose’s Guild Orchestra (1965), John Surman (1970), Chick Corea (trio y Circle, 1970-1971), Dave Holland (1972), Braxton (1972-1976), Sam Rivers (1973-1977), Dave Liebman (1974), Andrew Hill, Julios Hemphill (1975), Pepper Adams (1979), Kenny Drew, ranco D’Andrea (1983).
Del blues al bebop, que reivindica como sus raíces, y a las distintas vanguardias, Barry Altschul ha sabido recorrer todas las sendas jazzisticas con amplitud y libertad expresivas.

Hank Jones en Buenos Aires, miércoles 21 de octubre, Teatro Gran Rex.

(5 de octubre) Por el momento ha sido suspendido el recital. Se desconoce nueva fecha.

El compositor y pianista de jazz norteamericano Hank Jones tocará en Buenos Aires el miércoles 21 de octubre, a las 21.30, en el Teatro Gran Rex.

Nacido en Vicksburg, Mississippi en 1918, se inició en el jazz con sus hermanos, el baterista Elvin y el trompetista Thad, y pronto se ganó una merecida reputación de excelente acompañante junto a Coleman Hawkins o Ella Fitzgerald que le valió numerosos contratos para tocar con los más valiosos músicos e incluso participar en la radio o en la television.
Su inmensa discografía como acompañante es inabarcable, pues su merecidisima reputación está respaldada por un número incalculable de grabaciones. Para saborear su estilo personalísimo, síntesis perfecta de la tradición del piano y de las innovaciones del bebop, dosificadas con maestría y mezcladas con enorme sabiduría y experiencia, lo mejor es remitirse a sus grabaciones solo al piano o a sus formaciones mas personales, entre las que cabe destacar The Great Jazz Trio tanto cuando lo integraban el baterista Tony Williams y el contrabajista Ron Carter, como cuando los lugares de éstos los ocuparon respectivamente, Jimmy Cobb y Eddie Gomez.




Bibliografía consultada:
La Discoteca Ideal del Jazz
Editorial Planeta
1995

Murió el baterista Rashied Ali

En el día de ayer murió a los 74 años el baterista Rashied Ali.

Nacido bajo el nombre de Robert Patterson en Filadelfia, Pensylvania el 1 de julio de 1935. Estudia en la Granoff School of Music, integra conjuntos de rhythm and blues y, en 1953, toca con un grupo propio en clubs de jazz. Tras dos años desafortunados (la falta de trabajo lo obliga a conducir un taxi) conoce, en Nueva York a Pharoah Sanders, con quien toca, y a Don Cherry, Paul Bley, Bill Dixon, Archie Shepp, Sun Ra e incluso a Earl Hines, sin dejar de participar en diversos grupos de rock. En 1965 es convocado por John Coltrane como segundo percusionista junto a Elvin Jones, pasa a primer plano al marcharse éste, sitio que ocupa hasta la muerte del gran saxofonista. A finales de la década de 1960 forma parte del trío de Alice Coltrane, acompaña a Sonny Rollins y pone en marcha distintas formaciones.
En 1972 crea la compañía discográfica Survival Records y un año después abre una suerte de club/restaurante, el Studio 77 (o Ali´s Alley).
Ha grabado así mismo con Bud Powell, Jackie McLean, Alan Shorter, Gary Bartz, McCoy Tyner. En 1986 forma un trío rock/funk/contemporáneo/electrónico (establecido en Bruselas) con el guitarrista/saxofonista Marc Bogaerts y el bajista Amin Ali.




Bibliografía consultada: Diccionario del Jazz - Editorial Anaya - 1995

Nueva biografia sobre Astor Piazzolla - Ed. Edhasa -

PIAZZOLLA
El Mal Entendido
Diego Fischerman y Abel Gilbert


La única manera de entender la vida y la obra de un artista es hacer, al mismo tiempo, un análisis del tiempo que le toco vivir y del arte que lo rodeó e influyó. En este libro, los autores repasan la trama que hizo posible a Piazzolla y su música: la niñez en Nueva York, la influencia del jazz, el amor por el tango y Buenos Aires, la constante ambición de ser considerado un músico “serio”, su relación con el rock argentino, el momento del reconocimiento internacional, su relación con el peronismo en los cincuenta, con el gobierno de Onganía y con la dictadura que comienza en 1976, los mitos que él ayudo a crear, y que tanto fanáticos como detractores contribuyeron a cimentar hasta hoy.


Diego Fischerman es escritor y músico. Trabaja como periodista en Página/12 y para diversas revistas. Realizó para Sony-BMG la Edición Crítica de la discografía completa de Astor Piazzolla en RCA Victor y CBS Columbia. Es autor de los siguientes libros: La música del Siglo XX, Efecto Beethoven. Complejidad y valor en la música de tradición popular y Escrito sobre música, así como del volumen de relatos El principio del terror, que se publicará próximamente.


Abel Gilbert nació en Buenos Aires, en 1960. Es compositor, escritor y docente universitario. Actualmente da clases en la Universidad de Quilmes. Es autor de los siguientes libros: Cuba de vuelta (1993), Cerca de La Habana (1997), El terror y la gloria (1998, en co autoría con Miguel Vittaglaino) y La divina Cecilia (2001). Trabaja como periodista desde 1980. Desde 1999 se desempeña como corresponsal en América latina para El Periódico de Catalunya.

Músico de la semana: Phil Woods

Phil Woods no le había dado importancia a ese saxo alto que había heredado de su tío. Sin embargo, apenas escuchó el mágico sonido de Charlie Parker comprendió que en el testamento de su tío se había escrito sobre algo más que la entrega de un objeto, se había escrito sobre la posibilidad de darle sentido a una nueva vida. A los trece años, Phil Woods decidió que ese saxo --el jazz, la música-- lo acompañaría para siempre.
Había nacido en 1931, en Springfield, y en el año 1948 se mudó a Nueva York donde conseguiría empaparse de la musicalidad de Lennie Tristano antes de tomar sus primeras clases de clarinete de la Julliard School.
En 1954 ofreció sus primeros conciertos y al año siguiente grabó con el guitarrista Jimmy Raney. 1956 fue su gran año: tras sustituir a Jackie McLean en el quinteto del pianista George Wallington, viajó para presentarse en distintos festivales y giras por Roma, Turquía y Oriente Medio, con la gran orquesta de Dizzy Gillespie.
En 1957 constituyó, con otro saxofonista alto, Gene Quill, el Phil And Quill Quintet. Un año más tarde formó parte de la agrupación de Buddy Rich.



En 1959 entró a la agrupación de Quincy Jones y las giras por Europa se hicieron periódicas. Las orquestas de Benny Goodman, Dizzy Gillespie, Oliver Nelson, George Russell y Thelonious Monk contaron con su particular sonido.
En 1968 se instaló en Europa, primero en Londres y después en París, donde creó su European Rhythm Machine, con George Gruntz, luego Gordon Beck, Henri Texier y Daniel Humair. En diciembre de 1972 regresó a Estados Unidos para instalarse en Los Angeles, donde dirigió durante diez meses un cuarteto junto con el pianista Pete Robinson.
En octubre de 1973 se mudó a Pennsylvania; aunque allí formó un nuevo cuarteto, se dedicó más intensamente a la composición y a la enseñanza.
En 1983 formó un conjunto que tenía a Hal Galper en el piano, Steve Gilmore en el contrabajo y Bill Goodwin en la batería. El trompetista Tom Harrell, incorporado a esa formación, fue uno de los tantos jóvenes talentos que Woods supo promocionar.
Como Parker, su primer ídolo, posee fogosidad, pasión y perfecto dominio del instrumento. Pero su estilo suma la inspiración melódica al gran virtuosismo. Aunque fue indiscutible su filiación al bebop, supo fundir las más diversas influencias --desde el cool al free jazz- dentro de sus originalísimos arreglos.

Musico de la semana: Massimo Urbani

“Mi formación se ha dado de un modo un tanto irregular”, explicaba una vez Urbani, saxofonista alto italiano (Roma, 8/5/1957 – agosto 1993)“tocando donde hubiera posibilidad y escuchando de todo: jazz, blues, música comercial y a veces música clásica. Al principio me sentía muy atraído por el blues y el rhythm & blues, pero después he escuchado más jazz, sobre todo por su sonoridad, su fraseo, las improvisaciones de los solistas...”
A los once años comienza a estudiar el clarinete que luego abandona por el saxo alto. En 1971, en Roma, se inicia profesionalmente en el jazz con el saxofonista Mario Schiano con quien colabora durante la primera mitad de los años 70. Con él graba “Sud” en 1973.
Paralelamente asiste a clases de jazz en el Conservatorio de Santa Cecilia dictadas por el compositor y pianista milanés Giorgio Gaslini con quien al poco tiempo colabora y graba.



En 1974 forma parte del grupo Area, y tiempo después entra en el quinteto del trompetista Enrico Rava (1974/1978) “Para mí, era inicialmente como tocar el cielo”, recordaba Urbani sobre aquella época, “pero tras poco tiempo mi entusiasmo se desvaneció porque me daba cuenta, cada día que pasaba, de mis limitaciones instrumentales, y sobre todo armónicas. Fue una experiencia que me llevo a una crisis de identidad que me permitió ver más claro mi futuro como músico”.
Al mismo tiempo, toca en el grupo Anamorfosi (1975), con el pianista Gaetano Liguori (“Collective Orchestra”, 1976) y con Cadmo (Flying Over Ortobone Mount In July seventy Seven”, 1977). A fines de esa década forma un grupo que se exhibe principalmente en el festival de Umbria Jazz. A continuación, no deja de ocupar la vanguardia de la escena italiana, tanto en calidad de líder como en diferentes formaciones, por ejemplo, el cuarteto del pianista Enrico Pieranunzi.
A pesar de su corta vida, que terminó a los 35 años debido a una sobredosis de heroína, Urbani fue uno de los más brillantes músicos modernos del jazz italiano y uno de los mejores discípulos de Charlie Parker, aún cuando la última evolución de su estilo tuviera en cuenta tanto a Albert Ayler como a John Coltrane.

Musico de la semana: Archie Shepp

Saxofonista tenor, soprano, pianista, cantante y compositor norteamericano 24-05-0937. En 1944, se instala en Filadelfia; a partir de 1947 estudia piano, en 1950 clarinete, en 1952 el saxo alto. Más tarde traba amistad con el trompetista Lee Morgan, que le sirve de mentor, y frecuenta el club Music Ciity donde conoce al trompetista Ted Curson, al pianista Bobby Timmons; se da a conocer también en el seno de una orquesta de rhythm and blues.
Entre 1955 y 1959 prosigue sus estudios en la universidad y, además de la música se apasiona por el teatro (escribe su primera obra), al tiempo que adquiere conciencia política de la lucha reinvindicativa del pueblo negro norteamericano.
En 1960 se instala en Nueva York, escucha a John Coltrane en el Five Spot y, seducido, decide dedicarse al saxo tenor. Durante más de un año, toca (y graba dos veces) en el grupo de Cecil Taylor. En 1962 dirige un cuarteto con el trompetista Billy Dixon, grabando su primer disco “Peace”.
En 1963, funda con Don Cherry y el saxofonista John Tchicai el New York Contemporary Five, realizando una gira por los países del este y escandinavos. El año siguiente resultaría fundamental: graba en sexteto “Four For Trane”, bajo la producción del mismísimo Coltrane, participa de los primeros conciertos de la New Thing (*) y en la fundación de la Jazz Composers Guild que pronto agrupa a los principales exponentes de la vanguardia (Cecil Taylor, Sun Ra, Paul y Carla Bley, Tchicai, etc.).
El free jazz ha emprendido el vuelo, y él aparece como uno de los artistas más completos, más comprometidos y más escuchados de esta música: así él toca en “primera línea” en la orquesta de Ascension, dirigida por Coltrane (1965), quizás la más importante grabación de la nueva modernidad jazzística.



A principios de 1967 emprende una amplia gira por Europa al frente de un quinteto. Participa en el primer Festival panafricano de Argel (1969) y en los de Antibes (1970), Montreux y Massy (1975), etc.
A partir de ese momento y durante más de veinte años se divide entre la enseñanza de la música, la historia y la sociología del jazz en la universidad y las giras por el extranjero, además de su dúo con el pianista Horace Parlan.
Audaz por naturaleza pero tradicionalista por su gran cultura, va a mezclar de forma magnífica todos los sedimentos de la música afro-americana, del gospel al bebop, pasando por el blues y por Duke Ellington, su ídolo.
Con un sonido amplio y sensual inspirado en Ben Webster y Don Byas al tenor, un timbre lastimero y agridulce al soprano, un estilo sobrio y un poco arcaico al piano y una voz rota y “pesada” que clama mas que canta el blues, sigue repasando con acierto un repertorio que va de Ellington a Parker y cuya actualidad proclama abiertamente.

Musico de la semana: A.A.C.M.

A.A.C.M. (Association for the Advancement of Creative Musicians)
Creada en Chicago en 1965 por iniciativa del pianista y compositor Muhal Richard Abrams (líder, desde 1963, de la Experimental Band) junto con el contrabajista Malachi Favors, el pianista Jodie Christian, el trompetista Phil Cohran y el baterista Steve McCall, esta especie de cooperativa reuniría a más de cincuenta músicos negros, entre ellos los saxofonistas Antony Braxton, Roscoe Mitchell, Joseph Jarman, Kalaparusha Maurice McIntyre, John Stubblefield, Chico Freeman, Henry Threadgill etc., los trompetistas Lester Bowie, Leo Smith, Frank Gordon, etc., los trombonistas Lester Lashey, George Lewis, el violinista Leroy Jenkins, el flautista y poliinstrumentista Douglas Ewart, los pianistas Christopher Gaddy, Claudina Amina Myers, Steve Golson, los contrabajistas Charles Clark, Leonard Jones, Reginald Wallace, Fred Hopkins, el baterista Jack DeJhonette, así como también bailarines, poetas, cantantes, etc.



La finalidad de la A.A.C.M. es "educar a los jóvenes músicos y crear una música de un nivel artístico elevado, que se presente al gran público con ocasión de programas destinados a exaltar la importancia de la Música Creativa; crear una atmósfera estimulante para favorecer, en el ámbito de una labor común, la expresión colectiva de músicos de talento; organizar audiciones para los músicos más jóvenes; proporcionar trabajo a los músicos que lo merezcan; tomar parte en organizaciones benéficas; definir algunos criterios morales para los músicos y revalorizar la imagen pública del Músico Creador; favorecer las relaciones equitativas y respetuosas entre los Músicos Creadores y los responsables del comercio musical (representantes, managers, promotores, fabricantes de instrumentos); revalorizar la tradición cultural de los músicos, ampliamente subestimada en el pasado; favorecer el desarrollo espiritual de los Artistas Creadores con ocasión de su participación en espectáculos y conciertos".
Efectivamente, la A.A.C.M. ha favorecido notablemente el encuentro y el intercambio de información y colaboración entre los músico más avanzados y abiertos de la zona de Chicago; al amparo de esta asociación se han formado grupos como el "Roscoe Mitchell Art Ensemble", "Phil Cohran Afro-Arts Ensemble", la "Experimental Band" de Abrams, "Air", y, sobre todo, el famosísimo "Art Ensemble of Chicago", quizá el grupo que mejor representa las intensiones artísticas de la A.A.C.M.. Esta tiene, en todo caso, un valor indisputable, especialmente por su capacidad de presentarse como foco y centro espiritual de la más estimulante y avanzada improvisacion negro-americana de Chicago.

Murió el saxofonista Johnny Griffin

Murió el saxofonista de jazz Johnny Griffin
Afp
París, 25 de julio. El saxofonista estadunidense Johnny Griffin,
conocido como El pequeño gigante, quien actuó entre otros junto a
Lionel Hampton y Art Blakey, falleció el viernes a los 80 años en un
pueblo del centro de Francia, donde vivía desde hace 20 años, informó
su agente. Griffin, cumplió 80 años el 24 de abril, y debía
presentarse este viernes junto a la organista estadunidense Rhoda Scott, el saxofonista francés Olivier Temime y la baterista Julie Saury. Ofreció su último concierto junto a estos músicos el lunes, en Hyères, Francia.

Luego de estudios musicales en la DuSable High School de Chicago, su ciudad natal, Johnny Griffin se unió en 1945 a la orquesta del vibrafonista Lionel Hampton, con quien actuó hasta 1947, fecha en que se unió al trompetista Joe Morris. En los años 50 integró varias orquestas, entre ellas la Jazz Messengers de Art Blakey. También actuó junto a Nat Adderley, Thelonious Monk y John Coltrane. En 1962 se instaló en Francia y luego en Holanda. El diccionario del jazz describe a Johnny Griffin como un “saxofonista de lirismo incisivo”, con “una gama musical entre las más contrastadas, y una técnica muy por encima de la media”.
Información sobre Johnny Griffin

Músico de la semana: Billy Harper

Suele hablarse de músicos de primera y segunda línea. Si el saxofonista, flautista, cantante y compositor Billy Harper integra, para algunos, una segunda línea lo es más por el desconocimiento aun de los llamados especialistas que por falta de recursos, experiencia y talento.
Harper nació en Houston, Texas el 17 de enero de 1943. Como muchos, cantó desde la infancia como solista en coros de iglesia. A los doce años estudiaba saxo y tocaba en orquestas de rhythm and blues. Se graduó como intérprete de saxo en la Northern Texas State University, en el año 1965. La isla de Manhattan lo recibió en 1966. Un año más tarde comenzaba a colaborar con Gil Evans e ingresaba en los Jazz Messengers de Art Blakey, grupo que integraría hasta 1970. Ese año comenzó su participación dentro de la big band de Thad Jones y Mel Lewis.



Más tarde trabajaría con Lee Morgan y luego con Max Roach, una relación intensa que perduraría hasta 1978, pero que no le impidió continuar sus colaboraciones con Gil Evans, Thad Jones y Mel Lewis. “Capra Black”, su primer disco como líder, fue grabado en 1973. Y sólo dos años más tarde llegaría “Black Saint”. Para comprobar sus personalísimas dotes de cantante alcanza con escuchar su versión de “My One and Only Love”, que aparece en el disco If Our Hearts Could Only See, grabado 1997 con Diw Records.
Saxofonista virtuoso y versátil, Harper se inscribe deliberadamente en la tradición de John Coltrane, aun teniendo en cuenta que su estilo no está exento de rastros de influencias de Sonny Rollins y que la estética de sus propias formaciones remite de manera muy directa a la del hard bop.

Musico de la semana: Dexter Gordon

Quizás recuerden a ese lungo afecto al alcohol que protagonizó en 1986 una de las muy buenas películas de Bertrand Tavernier "Alrededor de la medianoche".
Él era Dexter Gordon (saxofonista tenor y compositor norteamericano. Nació en Los Angeles, California el 27-02-23). A los trece años, el joven Dexter aprendió teoría musical y clarinete, antes de optar por el saxo alto a los quince años y, definitivamente, por el saxo tenor dos años mas tarde, a finales de del bachillerato. Su carrera se abre con una orquesta local y luego con el vibrafonista Lionel Hampton, en cuya formación permanecerá tres años. Tras seis meses en la gran orquesta de Armstrong en 1944, fue contratado por Billy Eckstine durante un año y medio. De nuevo en la costa oeste, participo en un sexteto junto a Charly Parker y Miles Davis.



Formo su propio cuarteto, tocando entre Los Angeles y Nueva York, pero su actividad fue mas importante en California. Entre aquellas dos ciudades grabo con Gillespie, Fats Navarro, Parker, J.J. Johnson entre otros destacados musicos. A partir de 1949 sus grabaciones fueron esporádicas, y entre 1953 y 1955 esta preso por un asunto de drogas. En 1962 se instalo en Dinamarca, grabando mucho con los musicos de paso o que vivían en Copenhague, tales como los pianistas Kenny Drew, Tete Montoliu u Horace Parlan. Trabajo mucho, asimismo, en las capitales europeas, presentándose en festivales y en clubs
Regresó a Nueva York durante algunos meses a principios de 1965, pero volvió a Europa, donde, paralelamente a su carrera musical, dicto diversos cursos. En 1976 regresa nuevamente a Nueva York para cumplir un contrato en el Village Vanguard, que marcara el renacimiento del bebop en EE.UU. A partir de entonces, su vida se dividió entre su país natal (donde grababa) y Europa (donde tocaba). Muere en Filadelfia en 1990. Gordon es considerado como el primer bopper del saxo tenor y ha seguido imponiéndose luego, y hasta su muerte, como uno de los principales saxofonistas postbop. Fue, además, uno de los pocos musicos de los que John Coltrane reconoció la influencia - que también puede notarse en Sonny Rollins-.

Musico de la semana: Randy Weston

Este pianista y compositor norteamericano (Brooklyn, Nueva York, 6-4-1926) es uno de los tantos jazzistas que se ha planteado la necesidad de volver a las raíces que le brinda la diversidad musical de Africa y esto lo realizo mucho antes de poner un pie en ese continente.
Su padre, nacido en Panamá pero de origen jamaicano, le hace estudiar piano con varios profesores y escuchar discos de jazz.
Después de tocar en orquestas de rhythm and blues, trabaja en el restaurante paterno, frecuentado por músicos. Mas tarde forma parte de los grupos de Art Blakey y Kenny Dorham. En 1954 graba su primer disco en dúo con el contrabajista Sam Gill, dedicado a Col Porter. Consagrado como "nuevo talento del piano" por la revista Down Beat (1955), graba regularmente, se presenta en clubes (Café Bohemia, Five Spots...) y conoce a Melba Linston, con quien estudia la tradición musical africana: compone y graba la suite Uhuru Africa sobre un texto del poeta Langston Hughes con arreglos de la trombonista (1960).
Viaja a Nigeria (1961-1963), hace una gran gira por Africa en 1967 y ese mismo año se instala en Tánger, donde funda un centro cultural, The African Rhytm Club, y organiza un festival (1972).
A continuación vuelve a Estados Unidos, pero a partir de 1974 pasa una larga temporada en Europa, principalmente en Francia. A partir de los noventa en asociación con Melba Linston, elabora una obra plasmada en discos que, además de acentuar las raíces africanas, repone una lectura de los blues
Admirador de la música de Duke Ellington y Thelonious Monk (sendos discos homenajes así lo demuestran), logra afirmar la calidad de su forma de tocar en los años 70: el dominio de la dinámica la firmeza de las líneas de bajos y el control de la sonoridad le han permitido poner un buen empleo del instrumento al servicio de un concepto musical cada vez más orientado hacia Africa.

Musico de la semana: Art Blakey

En RadioMontaje, lo hemos bautizado “El gran D.T.”. Es que este baterista norteamericano nacido en Pitsburgh, en 1919 y fallecido en 1990 ha logrado formar grandes equipos a partir de su elección de muy buenos jugadores. Cuenta la leyenda que en 1939 Blakey pudo escapar del duro trabajo en la mina y la fundición para ingresar en la orquesta de Flecher Henderson. En 1940 ya acompañaba a la pianista Mary Lou Willimas. Impulsor del movimiento bebop, comenzó a tocar con Thelonious Monk en los años 40. Tras los Seventeen Messengers de 1947 (con Miles Davis y Fats Navarro) forma, en 1954, el primero de los Jazz Messengers para un legendario concierto en Birdland que contaría con la participación de Clifford Brown, Lou Donladson, Horace Silver y Curly Russell. Un año más tarde, Silver tomaba el nombre y pedía a Blakey que liderara el nuevo quinteto que integraba junto con Kenny Dorham, Hank Mobley y Doug Watkins. El quinteto Jazz Messengers, mas tarde deviene en sexteto, convirtiéndose en uno de los grupos más significativos de la historia del jazz, tanto por los talentos que allí despuntaron como por la emancipación de la batería no sólo como instrumento solista sino también como conductor. Sin duda Blakey aporta un enfoque nuevo y singular en la dirección de un conjunto. Marcando ritmos cruzados –había estudiado profundamente las percusiones africanas- y cuidándose de no destacar demasiado –“no hay que tocar más de la cuenta” solía decir-, proporcionaba a los solistas una base que les permitía construir con soltura sus melodías. Cliffford Brown, Lee Morgan, Johnny Griffin, Wayne Shorter, Freddie Hubbard, Keith Jarrett y mas recientemente Branford y Wynton Marsalis, Terence Blanchard, Wallace Roney son nombres que han surgido de la mano de Blakey. A manera de síntesis de su propuesta, en 1958, Blakey expresó:
“Si durante una actuación nos percatamos de que algunas personas no están marcando el tiempo con la cabeza y con el pie, entonces sabemos que no lo estamos haciendo bien. Porque cada vez que transmitimos nuestro “mensaje”, se mueven los pies y las cabezas...”

Músico de la semana: Charles Mingus

De nombre Charles, antes que "Charlie", un diminutivo que detestaba, Mingus (1922-1979) creció en el ghetto de Wats, en Los Angeles, uno de los más afectados por los violentos tumultos del verano de 1965.
Criado en el aprendizaje de la música clásica, Charles frecuentaba con su padre la iglesia metodista y con su madrastra, la iglesia de Holiness. En algún momento reconoció su inclinación por esta segunda cofradía de "atmósfera más salvaje, menos inhibida", donde se tocaba blues y se daba rienda suelta a los hechizos conjurados por un predicador. Mingus, que descubrió a Ellington a los 9 años a través de la radio, aprendió a tocar violonchelo y trombón. Los prejuicios raciales de un director lo convirtieron en protagonista de un incidente que lo obligó a abandonar la orquesta de su escuela.
Entre 1941 y 1943 tocó con Louis Armstrong; tres años más tarde, se unió a Kid Ory y Lionel Hampton hasta que finalmente unió el sonido de su contrabajo al de tríos más intimistas.
Tocó con Art Tatum, Stan Getz, Charlie Parker y Bud Powell y celebró con estos dos últimos Dizzy Gillespie y Max Roach un concierto legendario en Toronto, que grabó para su flamante sello Debut fundado en 1953.
Cumplió su sueño al entrar a la orquesta de Ellington de la que fue expulsado a causa de una nueva disputa sobre temas raciales, ahora librada contra Juan Tizol. Por esos años comenzó a componer sus primeras obras experimentales que dieron paso a los Jazz Workshop, núcleo de excepcional inventiva, provocación, agitación y explosión de las formas.
En el complejo universo mingusiano que la marca de Ellington ilumina conviven el gospel, el blues, el bebop y el cool junto con la música de tradición académica de Europa.
“Somos nosotros quienes creamos nuestra propia esclavitud, pero yo seguiré rompiendo barreras y descubriendo qué clase de hombre soy a través de mi música. Es esa la única forma que tengo de ser libre”. En esta sentencia que Charles Mingus expresó frente al periodista Nat Hentof, se cifra el espíritu libertario de su música.

Músico de la semana: Art Ensemble Of Chicago

Soy de los que cree que para hacer free jazz es necesario conocer la tradición del género. Basta con escuchar atentamente distintas propuestas para confirmarlo; alcanza con escuchar al Art Ensemble of Chicago.
Este grupo surgió en la A.A.C.M. (Association for the Advancement of Creative Musicians) del cuarteto que, en 1967, reunía a Lester Bowie (trompeta, fluegelhorn, tambor bajo), Joseph Jarman (saxos, clarinete, oboe, flauta, marimba, vibrafono, congas, campanas, guitarra, sirena), Malachi Favors (contrabajo, bajo fender, banjo, citara, percusión) y Roscoe Mitchell (saxos, clarinete, flauta, gongs, congas, campanas, sirena).
Un año después se los conocería por el nombre Roscoe Mitchell Art Ensemble (Bowie, Favors y, en la batería, Robert Crowder). Pero el primer disco del Art Ensemble Of Chicago como tal se graba en París, en junio de 1969. Al cuarteto original se incorpora Don Moye, primer baterista estable del grupo. Desde entonces el A.E.C. se beneficiaría con el aporte eventual de invitados como el cantante Fontella Bass (1970) o los pianistas Muhal Richard Abrams (1973-1974) y Cecil Taylor1984).
El grupo fue fiel a sus orígenes y ha sabido ilustrar las etapas al mismo tiempo que explotar las posibilidades de la "Gran Música Negra". El A.E.C. mezcla historia con actualidad jazzística, seriedad con parodia usando no sólo una gran variedad de instrumentos acústicos sino también recursos propios del teatro.
Un choque de personalidades y estilos que recorre desde las marching-band y los grupos swing hasta el be-bop, hard-bop y el free. Todas esas músicas suenan dentro de la propuesta del Art Ensemble, entonces ¿quién se atrevería a decir que el free es sólo ruido?".

Musico de la semana: David Murray

El saxofonista, clarinetista, flautista y compositor David Murray aprendió los rudimentos de la lectura y escritura de la música gracias a su madre, una organista de oficio eclesiástico casada con un guitarrista aficionado. Murray había nacido en Oakland, un 19 de febrero de 1955.
Pero no fue sólo cierta capacitación musical lo que su madre le brindó: “La iglesia a la que pertenezco es la Iglesia de Pentecostal de los Estados Unidos, en la que se han conservado rituales africanos y la gente es poseída por los espíritus”, decía Murray en una entrevista. “Entonces se ponen a hablar en lenguas que ellos mismos desconocen. Cuando haciendo música alcanzo con mis agrupaciones un determinado estado siento como si pudiera salirme de mi cuerpo; entonces soy capaz de observar cómo toco, me veo tocando, no reflexiono sobre ello, es otro el que lo hace”.
Con semejante ascendiente, es lógico pensar que Murray haya elegido el canto grupal y el piano como primeros instrumentos. Sin embargo, la experiencia vocal lo condujo a estudiar saxo alto.
A los catorce años formó su primer trío. Después de escuchar a Sonny Rollins, decide pasarse al saxo tenor. Poseedor de una poderosa y personal sonoridad, agresiva pero también expresiva, y aclamado como heredero de John Coltrane o Albert Ayler, su espectro estilístico va desde un heterodoxo hard-bop a improvisaciones decididamente casadas con el free.
Se trasladó a Nueva York y, en 1976, formó parte del excepcional grupo de saxofones World Saxophone Quartet, formado por Hamiet Bluiett (saxo barítono), Julius Hemphill y Oliver Lake (saxo altos) y el propio Murray en el saxo tenor. El cuarteto carece de sección rítmica; esa ausencia se ve compensada por la abundancia de polifonía heredera de los cantos religiosos de la tradición negro-americana.
Su especialización en el saxo tenor no le impidió recuperar para el jazz un instrumento algo marginal, el clarinete bajo, cuyo papel ya había sido reivindicado por Eric Dolphy y del que hoy Murray representa su más notorio intérprete.
Pero por encima de todo, es conocido por liderar grupos adaptables a cualquier formato, desde el dúo a la big band pasando por su aclamado octeto.
Comenzó a grabar como líder a los veintiún años y desde entonces ha forjado una enorme carrera. En el ámbito del dúo, ha trabajado casi siempre con pianistas de incuestionable calidad como Randy Weston, George Arvanitas, Aki Takase y Andrew Hill.

Músico de la semana: Warne Marsh

WARNE MARSH

El saxofonista tenor nació en Los Angeles, California, el 26 de octubre de 1927. Era hijo de un violinista de origen ruso, lo que significó que la música ya estuviera en casa y le ofreciera un abanico instrumental vasto, desde el acordeón hasta el clarinete bajo. Se obsesionó por el sonido del saxo cuando conoció a Corky Corcoran.
El frustrante servicio militar le regaló la amistad del pianista Lennie Tristano. En 1948, tras una gira con la orquesta de Buddy Rich, decidió instalarse en Nueva York. Era discípulo de Tristano y tocaba en su grupo regularmente. Los años neoyorquinos le proporcionaron también la posibilidad de tocar junto con Lee Konitz.
De regreso a Los Angeles, durante 1966 se abocó a la enseñanza y se unió a Clare Fischer. Supersax marcó su regreso a los escenarios en 1972. Konitz le marcaba una agenda de giras por Europa hasta que la Nueva York se hizo inevitable. Europa también lo escuchó en formación de cuarteto junto con Lou Levy a lo largo de los años 80.
Marsh grabó con hitos de la historia del jazz, desde Tristano y Konitz, hasta Art Pepper y Bill Evans. Si sus referencias juveniles fueron Coleman Hawkins y Ben Webster, su adultez estuvo marcada por Lester Young y Charlie Parker, dos universos de los que se apropió y que se manifestaron en su movilidad extrema, en su acentuación casi siempre imprevisible, también en la tremenda regularidad del tempo --que no hacía más que dejarle ancho margen para improvisar, con un perfecto soporte de la sección rítmica. Esa estricta relación con el tiempo junto con un gusto particular por las tradiciones europeas, vibraban en sintonía con los intereses de Tristano. Comparado con frecuencia a Lee Konitz (por la analogía de sus timbres, más allá de la diferencia de instrumentos), se distinguió, sobre todo, por su total emancipación con respecto a la melodía. Su sonido recto, exento de vibrato, mostraba ya en los años 50 su audacia expresiva y lo acerca al moderno Anthony Braxton.
La experiencia de Europa, los años neoyorquinos habían empapado de vanguardismo su talento. Eligió volver a Los Angeles, y falleció repentinamente sobre el escenario del Donte´s mientras improvisaba sobre Out Of Nowhere.

Musicos de la semana: Kurt Elling / Kevin Mahogany

Voces en blanco y negro


Si su voz se escuchó poco, puede confundírsela con la de un crooner tradicional pero apenas se le dedica un poco más de atención su expresión va cobrando una inconfundible identidad: Kurt Elling lanza su voz ricamente veteada hacia oscuros callejones, en los que puede gruñir y seducir a la vez.
Tanto en el scat como en el vocalese ha conseguido exhibir un costado aventurero que probablemente sea más fácil encontrar entre los instrumentistas que en los vocalistas.
Pero no solo del canto vive el hombre: Elling escribe para teatro y se siente cómodo dentro del traje de empresario audaz. Ha conseguido agrupar en Four Brothers a Jon Hendricks, Mark Murphy y Kevin Mahogany. Sí, Mahogany; aquel que cuando era un joven saxofonista en su ciudad natal, Kansas, terminó frustrado por sus limitaciones como improvisador. Escuchaba solos grandiosos que no conseguía sacar de su cabeza; sin duda sus ideas iban más rápido que sus dedos. No podía tocarlos pero sí cantarlos así que finalmente se convenció de que debía cambiar de instrumento para expresar su música. Mahogany canta con un registro de barítono profundo y nudoso. Esa extraña voz, sumada a la fluidez con que frasea las baladas, le han valido comparaciones con crooners clasicos como Billy Eckstine y Johnny Hartman. Pero los crooners no suelen hacer scat y, en todo caso, las pocas veces que lo hacen, no consiguen encender el fuego que prende rápidamente en Mahogany.

Musico de la semana: Ben Webster

Aunque menos innovador, fue, al igual que Coleman Hawkins y Lester Young, uno de los gigantes del saxo tenor y, como Charlie Parker, un puro producto de Kansas City donde nació el 27 de marzo de 1909.
Estudió violín y piano, y curiosamente fue con este instrumento que inició su vida profesional. Budd Johnson le dio las primeras lecciones de saxo. Tocó en las formaciones de W.H. Young (padre de Lester), Bennie Moten (1931-1933), Andy Kirk, Fletcher Henderson (1937-1938). Tocó un tiempo con Roy Eldrige (1938). Participó en la big band de Teddy Wilson (1939-1940) hasta que se unió a la de Duke Ellington (1940-1943) donde, sin duda, contribuyó a crear un color particular. Su contribución como miembro de la sección fue tan importante como sus intervenciones --algunas memorables-- como solista.
Cinco años de experiencia con una agrupación propia fueron suficientes para Webster y la orquesta de Ellington pudo volver a contar con su sonido (1948-1949). Tras una temporada en el grupo de Jay Mc Shann, ingresó en la orquesta de Count Basie, participó en numerosas giras de JATP (Jazz At The Philharmonic) y, a partir de 1965, se estableció en Copenhague y luego en Amsterdam, donde murió en el año 1973.
Formado en los “rigores” y en la alegría de la era del swing, fue, ante todo, un enamorado de la melodía. Su discurso, lleno de ternura en las baladas, puede resultar violentamente fogoso en los tempos rápidos. Su fraseo, de secuencias cortas y separadas por largos tiempos de reposo, suele acabar en una nota poderosamente vibrada, en cierta forma más “soplada” que “tocada”. Un procedimiento que fue imitado por muchos hasta convertirse en paradigma del arte de la balada en saxo tenor. Archie Sheep es uno de los saxofonistas que reivindican la influencia de Webster en su propio arte. Pero ésta se extiende a muchos otros...

Musico de la semana: Yusef Lateef

El saxofonista y flautista que nació en Detroit, Michigan, en el año1921 bajo el nombre de William Evans consiguió su primer contrato importante y empezó a tocar en la orquesta de Lucky Milinder, en el Nueva York de 1946.
Participó de la orquesta de Dizzy Gillespie, que John Coltrane integró en la segunda mitad del año 1949. Justamente fue Lateef quien inició a Coltrane en el estudio de la religión y filosofía orientales, alimento vital del pensamiento de Coltrane.
La decisión de cambiarse el nombre, frecuente entre los músicos negros de la época, representaba, en realidad, algo más que una simple moda: era una elección meditada que permitía la identificación tantas veces negada a los hombres de su raza; por otra parte, el interés de Lateef por el Islam, lo llevó a aprender instrumentos como el argol (especie de fagot proveniente de Siria) y varias flautas de mecanismo no europeo.
Lejos del exotismo, sin embargo, la música de Yusef Lateef explora minuciosamente la propia tradición, utilizando elementos ajenos para profundizar en las raíces de una música que tradicionalmente ha sabido valerse de recursos extraños a su propia historia para afirmar su propia personalidad.
En 1960 se trasladó a Nueva York donde formó un cuarteto y poco después fue contratado por Charles Mingus, a quien acompañó en el disco Pre Bird como flautista junto a Eric Dolphy. Con el saxo tenor, se mantuvo fiel a los conceptos del be-bop en sus improvisaciones y actuará en particular con el sexteto de Cannonball Adderley entre 1962 y 1964.
Desde entonces dedica la mayor parte de su tiempo a la enseñanza, aunque sigue tocando lo que él denomina, de manera críptica, música “auto-fisio-psiquica”.